2008/11/22

日生劇場 マクロプロス家の事 二期会 (Bキャスト) 11/22  演奏会

今日は、酷評になります。あらゆる意味で、この公演は粗かった。二期会=日生劇場による、ヤナーチェクの歌劇「マクロプロス家の事」。このオペラはマイナーではありますが、ほんの2年前、2006年12月に東響の演奏会で、セミ・ステージ形式による上演があったばかりです。そのときのよく準備して、丁寧に磨き上げた上演と比べると、今回は中途半端。声の面では勝る面もあったものの、全体をまとめあげるディレクターが不在だったのが痛いのです。

【作品への共感がない演出】

最大の戦犯は、演出の鈴木敬介でしょう。省コスト舞台の効果的な構築で定評がありますが、今回は霊感が働かなかったものとみえます。器(建物)の装飾だけにやたらと凝り、これだけはあっと目を惹くものがあるのですが、カネの切れ目が縁の切れ目というわけか、あとは、ほとんどほったらかしで、演出らしい演出になっていません。

最悪なのは、エミリア・マルティ(エリナ・マクロプロス)が種明かしをする、感動的な最後の場面です。照明を暗めにし、6人の登場人物にスポットを当て、四角く囲う。それで、なにが起こるかと思えば、なにも起こらない。囲ったために、動きがとれず、この四角のなかに突っ立ったまま。遠くからおもむろに聴こえてくる合唱(もともと、突然に挿入されるにしても)。エミリアの衝撃的な独白にも、誰ひとり反応しない。センターで歌う蔵野の絶唱は素晴らしいけれど、それさえも、誰にも届かないのでしょうか? エミリアが処方箋をかざし、「さあ、おとりなさい。誰も要らないの?」と迫る場面も、突っ立ったままでは迫力なく、最後、クリスタがつかつかと走ってきて、あっさり受け取ったのは「!」だけど、よっこいしょとライターで火をつけて、処方箋を燃やすのでは、なんだかなあという感じです。そして、かつらと衣裳を早替えした、エミリアの老化の陳腐なこと。

これに象徴されるように、動きに人間性の関係性が現れておらず、繊細な配慮に欠けていて、演出は落第点です。例えば、第1幕でグレゴールがエミリアに言い寄る場面を見てみましょう。グレゴールはブレザーに、パンダ・カラーのオシャレなマフラーをしています。最初は、違和感なく見ていたのですが、この場面、全体のなかでも特に長いのです。途中から、このマフラーが気になりだしました。普通、お部屋に入ったら、マフラーはとりませんか? しかも、グレゴールは熱く、エミリアを口説いているわけです。お寒い弁護士との対話までは、その格好でもいいでしょう。でも、昂揚して、好きな人を口説こうとするのだったら、マフラーをとるどころか、上着だって脱いでしまうのではないかしらん。 

第3幕の前半も、締まりません。密会の館は前の舞台装置を使いながらも、ちょっとした装飾で、美しい居館の姿を見せています。これはいい。奥のベッドはふかふかで、そこまで凝っているのは悪くない。ところが、そこから現れるエミリアのバスローブ! 天下の大女優が、こんなバスローブでオトコを相手にしますかね。安っぽい。その格好のせいで、ハウクと出かけるつもりがないことは明らかですが。コレナティーたちが入ってきても、全然、気にも留めないでそのままなのです。その格好で、銃を構えたりまでする。これでは、笑い種!

こういうわけで、演出はまったく駄目です。作品への共感がほとんどないのでしょう。全体的に、なにも付け加えておりませんし、演出はあってもなくても同じ。セミ・ステージで十分。むしろ、広いステージを使いこなすアイディアがなく、だだっ広くなっただけです。狭い空間に限定された、東響のセミ・ステージのほうが、むしろ関係はよく描けていたでしょう。

【管弦楽は粗い】

次に問題なのは、アルミンク指揮新日本フィルによる管弦楽です。とはいえ、良い部分がまるでなかったわけではありません。アルミンクはモチーフを丁寧に拾い、要所では立派な響きを築いて、あっといわせる瞬間もつくってはいました。クリスタが登場するシーンの、ぱっと華やぐような音色の変化。エミリアが盗みを促し、その意を弁護士が代弁するときには、即座にこそドロを表現するような邪な響きに。細かいことを言っていけばキリがないのですが、そうしたパーツを拾い集めていくような組み立ての面白さは、飯森&東響の演奏よりも、はるかに手が込んでいたはずです。

隣国のウィーンっ子、本場で若くしてヤナーチェク・フィルを率い、「プラハの春」音楽祭にも登場したアルミンクは、リズムの処理や音色の面においても、随所にヤナーチェクらしいイディオムを忍ばせ、作品を織り上げていきます。しかし、それにしても、新日本フィルのアンサンブル精度は、この公演に関する限り、持続性がなかったように思われるのです。よくできた部分では、東響の演奏に決して負けていない。ところが、これに倍するほど、「それにしても」な部分が残っていました。あと一歩なのに・・・という場面がつづき、惜しくてならなかった!

確かに、この劇場は響きがデッドで、ピットは横長。決して、アンサンブルに有利な環境ではありません。しかし、歌い手にとってはともかく、この作品の管弦楽(伴奏)部分に関する限り、この乾いた響きは決して、その魅力を削いでしまうような性質のものではなく、ある種の「相応しさ」をも感じさせました。その上で、ただでさえ上手に聴かせることが難しい曲なのに、プローベが足りなかったのは明白です。ヴァンスカが言うように、アンサンブルの精度というのは練習によってしか獲得できない。作品全体にわたって、アンサンブルの精度が美しく持続できなかったのは、それが十分でなかったことを示すものでしょう。

それにしても、すこし響きが粗い部分が多すぎます。

【キャストについて】

歌手については、ひとひとりについてみれば、頑張っていたと思います。便宜上、Bキャストとしましたが、私は多分、こちらのキャストのほうが質がいいと思って、悩むことがないほどでした。特に、蔵野蘭子のエミリアには期待していましたが、彼女を妙な実験に巻き込まれた可哀想な女性としてではなく、シニカルで、自立した女性像として演じたのはよかった。素が酒好きなのか知りませんが、エミリアが酔っ払いながら告白する場面は、板についています。弁護士に問い詰められて名前を口にし、卒倒する場面までは鬼気迫るものがあったし、ヤナーチェクがもっとも共感したと思われる最後のモノローグも、演出の無味乾燥に対し、彼女の歌だけが活き活きとしていました。

こうした大きな役では初めて聴きましたが、誠実に歌いきる従来のイメージに対して、意外にエンジンのオン/オフがあり、要所を引き締めてパッと見せるタイプと受け取られました。声の素晴らしさはもちろん、指先までぴんと伸びて演技力が高いことは特筆でき、彼女のそうした面を生かせる演出であってほしかった!

オトコどものなかでは、もっとも重要と思われるグレゴール役の大間知覚は、エミリアに言い寄る情熱的な歌などは聴かせますが、劇の大半を占める会話部分では、すこし窮屈な感じでもあります。コレナティー(勝部太)、ヴィーテク(高橋淳)、ヤネク(水船桂太郎)は、それぞれに好きな歌手なのですが、同じように、会話部分のリズム、言語感覚に乗れていなくて、表現に思いきりが感じられません。その点、主要役では父プルスの初鹿野剛(はつかのたけし)の堂々とした演唱は、エミリアとの対比で面白かった。

これらに対して、クリスタの長谷川忍、ハウクの加茂下稔、掃除婦と道具方の押見朋子と鹿野由之などというところは、歌うところが少ないせいでもありましょうが、流れに乗った歌唱ができています。とりわけ、メッツォの長谷川はまだお馴染みの歌手とはいえませんが、今回はブルーの衣裳がよく似合い、声もきれいで、見ごたえのある演唱を披露しました。押見は掃除婦には勿体ないほど肉厚に歌いだし、小役だが自分で場面をつくっていきます。ただし、あとで出てきた清水華澄(メイド役)と比べるとわかりやすいのですが、分を弁えて出すぎていないので、決して邪魔にはなりません。

【歌手たちの問題点】

会話部分の硬さのほかで、歌手たちにとっての問題点は2つありました。1つは、アンサンブルがまとまっていない点です。最後の幕で、「私たちはあなたに対して残酷だった!」などと声を合わせるような場面、こういういかにもな部分はいいのです。ところが、先に指摘した会話の硬さにも関係するとは思いますが、この作品は流れが速く、そこにパッパと声を集めて、手際よく流れを盛り上げていかねばなりません。そこが、うまくいかなかったのです。

これには、管弦楽の問題もあると思います。

そして、もうひとつ問題は、上記のことにも関係すると思いますが、大事な台詞が流れていたことです。例えば、私の好きな場面に、昔馴染みのハウクに再会したエミリアが、「マックス!」と昔の呼び名でハウクに声を掛けた瞬間、一気にロマンティックな音楽になる部分があります。ここが好きなのは、あまり魅力的ではないハウクを相手にしながら、エミリアがほんの少しとはいえ、昔の感情を蘇らせる人間的な場面だからです。さて、その音楽が変わるときのエミリアの台詞、これが今回の上演では味も素っ気もない。

これに象徴されるように、いくつかの例外を除いて、ここはもっと強調すべきと思われる部分で、台詞(歌)に抑揚がなく、死んだ表現になっています。それに対応するように、動きにもメリハリがない。既に、最後の幕の処方箋のやりとりについて見ましたが、万事が、あのようになっているのです。

【残念な上演】

誤解を恐れずにいえば、残念な上演でした。非常に優れたパーツがありながら、最初にも書いたように、ディレクターが不在だった。そのため、全体的に粗く、丁寧さを欠く印象を与えました。その役割が、演出家に求められるのか、指揮者に求められるのか、あるいは、そのほかの人に求められるのかわかりませんが、プロダクションとしての一体感に欠けた公演でした。

それでも、私なりに楽しむことができたのは、やはり、自分がこの作品に愛情を抱いていることの証拠でありましょう。悪いことばかり書いたように思いますが、8割くらいまでは行っているのですよ。観劇して、ある程度の満足感はあると思います。でも、その先に、私の求めていたものはあったということです。
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2008/11/17

下野竜也 わが祖国 読響 芸劇マチネー 11/16  演奏会

今月の読売日本交響楽団の芸劇マチネーは、下野竜也の指揮で、スメタナの大曲、連作交響詩「わが祖国」の演奏である。この曲は1月に、J.コウト指揮プラハ響の演奏で聴いたのが、まだ記憶に残っている。また、下野の指揮する「わが祖国」ということになると、4年前、新日本フィルでの演奏に接したことがある。そのときの印象は、下野ファンの私としては珍しいくらいに地味なものだった。もちろん、オケの良さもあるが、そのころと比べると、随分と解釈が進んでいたのは確かだろう。

【ダイナミック・レンジと運動性】

オペラの序曲を聴くような「ヴィシェフラト」の見事な演奏に始まり、休憩なしで、全曲を一気に弾き上げた。コウトの演奏と比べると、どちらがチェコ人かわからないぐらい、激しい思い入れに包まれた演奏で、もっとスンナリした演奏を想像していた読響も、この日は熱演に徹した。起伏の激しいスラヴ人の気質を表現したと思われる、下野のコントロールはかなり思いきったものだ。基本的には、いつものオーソドックスな音楽づくりのスタイルを壊していないが、ダイナミック・レンジを広くとり、その運動性が高くなるように工夫している。

例えば、「ヴィシェフラト」のハープの序奏に続く金管の演奏を見てみよう。ここでは、最初の拍をスタッカート気味にして、跳ねるようなリズムをつくり、後ろをぐっと展開する。はじめは何をやっているのかと思ったが、木管や弦が入ってくると、徐々にそれがはまってくる。それだけではなく、あとで金管の強奏で同じテーマを吹くときにも効果的で、それが先程の運動性の問題に絡んでくるのだ。このテーマは作品全体のなかでも、とりわけ重要なパーツになっているが、それだけではなく、こうした素材の扱い方自体が、楽曲のなかに見つかるあらゆるフレーズの処理に適用される。大きな響きを立ち上げるときには、音量を上げるというよりは、どこかに運動をつくり、それをエネルギーに変換することで、自然に響きを育んでいるのがわかる。

【素直で、隙のない表現意図】

全体を通して、演奏はきわめて細かいものになっている。有名な曲であっても、細部をしっかり演奏することで、「ちがい」を出せるというのが下野の持論だ。だが、そのときに、針小棒大に「ちがい」を振りかざすのではなく、楽曲の流れに素直に従いながら、銀ラメのように、きらっときらっと「ちがい」を示していくのが彼の音楽の特徴である。

例えば、単独で有名な「ヴルダヴァ」の冒頭について、見てみよう。ここでは、木管の序奏部分を少しだけしっかりと演奏し、拍を際立たせるのが特徴だ。これで何が良くなるかと言えば、有名な主題に引き継ぐ役割をしたあと、さらに主題の裏で細かい伴奏を刻み続けるヴィオラの、あの響きが大変に美しく聴こえるのだ。このあたり、ヴィオラの音に愛着のある私は、ほとんどその音色だけに聴き入っていた。これをやるだけで、聴き手の注意力はより細かい部分に及んでいくが、それが、このあと急流を抜けたあとの、静かな部分で生きてくる。ここでは、妙な言い方になるが、木管のフラジオレットで金管の音色が(倍音のように)聴こえ、それを支えるように、弦の薄膜が張られたような印象を受ける。非常に面白い描写だ。

再び荒れ狂う部分から転調するまでの部分は、ワーグナー的ともいえる、非常に重い演奏に仕上げている。だが、転調してからは快速で、これも楽譜どおりなのであろう。

【シャールカ、ボヘミアの牧場と森から】

シャールカは、状景が浮かびやすい演奏である。饗宴からオトコたちが寝入ってしまい、そこを女戦士たちが襲うまでの場面は、説明不要なぐらい、その場面を音だけでよく写し取っている。シャールカたちの襲撃のシーンは、読響の驚くべき合奏力を示す部分で、恐ろしく速いが、整然としたアンサンブルが楽しめたものの、思わず背筋が寒くなる怖さのある演奏。最後の休符で、首が飛ぶのが見えた気がする。

つづく「ボヘミアの牧場と森から」は、私がこの曲のなかで、もっとも愛する部分だ。また、楽曲全体の構成を見たときに、「第2部」の始まりともとれる。なぜなら、それまでの3曲は、風景描写や昔ばなしであるのに対して、ここから先は、「現在」にスポットが当たっていくように感じられるからだ。この曲の最初の不穏な和音を、下野は力強く提示する。

その後、パウゼのあと、対位法の響きで土壌をつくり、そこにすっと風が吹くように管楽器の響きが混ざり、
ぬっと、ボヘミアの草原に生える大木が幹を伸ばす光景が浮かび上がるのは印象的だ。後半の短いエピソードが少しずつ提示される部分は、先程の運動性を生み出すキーとして、有効に使われている。合間に出る木管のエピソードと、その後に表れるギャロップの関係も、その類である。この曲の後半部分は、こうした対比に使える部分が多く、下野の手法がきわめて効果的に作用する部分でもあった。

【ターボルとブラニーク】

ターボルとブラニークは、正に「わが祖国」といった誇らしい演奏に仕上がった。力強い革命歌と、管楽器による優しげなエピソードが、ここでもうまく対比されている。もともと革命歌などが挿入されていることもあって、この2曲は少し芝居がかった感じにもなりがちなのだが、下野の演奏では、そういったこそばがゆいところがない。この2曲では、とりわけストレートに響きを追っていくようなところが強調されており、なんて爽やかな演奏なのだろうか、という印象が強かった。

ターボルの最後も、やはり、音符の動きの運動性を利用して、跳ね上がるような響きだった。コントラバスのパート・ソロは、「第九」を思わせる。休符や楽器の交代を利用しながら、運動エネルギーが貯まっていく締めの部分は、すごい響きだった。ほとんど続けて演奏されることもある2曲だが、敢えて、下野は間をとった。だが、エネルギーは保存されており、この冒頭部分は、明らかに前楽章のイメージと、そこで生み出されたエネルギーを引き継いでいる。再び対位法のアンサンブルでベースが描かれるが、その響きは、微妙に革命歌に似通っている。不明ながら、これは、いままで気づいていなかったこと。

ブラニークの終わりの部分は、3つの旋律の対比が面白い。革命歌「汝らは神の戦士たれ」は厳しく、引き締まった表情、新しい賛美歌「汝らの側の神とともに終末において勝利を収めん」はゆったりと伸びやかに、そして、「ヴィシェフラト」から引き継がれたテーマは誇り高く、愉しみに満ちて・・・という具合に、表情を変えていくのである。そして、この「ちがい」がまた運動のエネルギーを引き出し、圧巻のフィナーレを築くときに利用された。

【まとめ】

非常に、よい演奏だった。弦管がよく押しあい、音量が上がっても、充実した内声のおかげで、響きにきつさがない。チェコ人がもつ独特の自然感覚、また、舞踊のイメージはやや薄いが、構造をしっかり組み上げて、それを響きのなかに強烈に溶かし込んでいく演奏スタイルが、きわめて効果的であった。ノーランを中心とする弦のキレのいいボウイングも目立ったし、金管も好調。特に第2曲までに活躍したフルートの一戸など、功労者は数知れない。

演奏がおわったとき、私は思わず目をつぶった。そして、すぐに賞賛の声に変わったものの、会場も一瞬、静まりこんだ。あの心地よい、ほんの1、2秒のときが、この演奏のすごさを物語るにちがいない。確かに、下野は「ちがい」を示し得たのだ。

なお、この曲でも随所に活躍したチューバだが、八尾氏の引退以来、正団員がいない状況だったものの、この11月1日に契約を済ませ、元日本フィルの次田心平がメンバーに加わった。プログラムの表記が間に合っていないが、既にHPでは名前が刻まれている。今後の活躍に期待したい。


【プログラム】 2008年11月16日

1、連作交響詩「わが祖国」(全曲)

 コンサートマスター:デヴィッド・ノーラン

 於:東京芸術劇場(大ホール)
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