2008/8/16

プッチーニ 三部作 @東京文化会館 8/10 A 【A-part 外套】  演奏会

今回の公演は、これをやりたいと思って集まった者ばかりであることもあろう、チームワークの良さというのが際立っていた。演出を軸にして、歌役者たちがともかく自分たちにできるベストを尽くし、小崎雅弘率いる東京フィルの管弦楽が濃密なサポートで舞台全体を支える。そして、彼らに統一された意思は、プッチーニの作品の良さを作曲家の想いに沿って、忠実に表現することだった。

まず、一本目の「外套」は、ヴェリズモ的な作品のグロテスクさを強調するのではなく、そこに描かれる、当時のイタリーの下層市民が抱いていた深い陰翳を、じっくりと煮出した舞台である。舞台前方を船の中央付近に見立て、奥に向かって舳先が伸びているように見える装置が用意され、M.v.シュテークマン女史のつくった新国「オランダ人」の舞台が思い出される。さて、前奏の部分で積荷の運び出しの場面が描かれ、主要な登場人物がしっかり顔見世をする。音楽が徐々に昂揚し、不意に影を落とす場面で、ルイージとジョルジェッタがすれちがい、そこに演出と音楽が同時にフォーカスする見せ場がつくられ、最初の数分を観ただけで、ユニークとはいえないかもしれないが、よく練られた、意趣を尽くした舞台づくりが期待された。

この作品は、ヴェリズモの典型的なフォルムを借りているのだが、同時に、アイロニカルなずらしがあるほか、例えば、フルゴーラ&タルバの暮らしが、ルイージやジョルジェッタの知る(都会的な)世界と対比されるなど、ただの愛憎劇に止まらない幅があるのが見逃せない。田舎の猫おばさん=フルゴーラのどこか切ない充足に対して、あまりにも華やかで、都会的なプライドをもったジョルジェッタの、現状に対する満ち足りなさが、結局、ミケーレへの裏切りを招いていくことになる。また、そこには、ミケーレとの間に授かった子どもの死という、思い出すにも忍びない歴史が圧し掛かっている。ミケーレに愛想を尽かしたというわけではないのに、どうしようもなく、そこから去らねばならないジョルジェッタの居場所のなさが、隠されたテーマである。

ミケーレとジョルジェッタを決定的に引き離したものは、何なのであろうか。プッチーニは、それを幾重にもわたって描きこんでいる。いま言った田園や海という世界に対して、都会的なものというポイントがあるだけではない。老いゆく者と、まだまだ女ざかり/男ざかりを生きる者との、微妙なすれちがい。ミケーレは主に過去を歌うのに対して、ルイージやジョルジェッタは一見、昔ばなしをするようにして(フルゴーラに切り返して故郷の街の素晴らしさを歌う二重唱)、未来を歌っている。

流しの歌うたいが、実は象徴的な役割を果たしている。彼はジョルジェッタとティンカ/ルイージが踊ったカンツォーネを歌ったあと、再三、つぎの歌を注文するように促しているが、誰も応じない。彼の役割は終わっているが、そのことに気づいていなくて、いつしか、彼は姿を消す。彼に歌を求めるのは、まるであさっての方角から呼びかける声だけだ。この物悲しさが、ミケーレの頭上に影を落とすものと同じなのである。だが、これは同時に、ミケーレに訴えかけるジョルジェッタのこころの叫びでもある。もしもミケーレが、この何の希望もない船乗りの生活に見切りをつけて、つぎの注文に歩み出していたら、ジョルジェッタがルイージという存在に逃避していくこともなかったにちがいない。

ミケーレが亡くなった子どもについて物語るとき、聴く者がどうしても涙を禁じ得ないのは、可愛い子どもを亡くす悲しさに同情するせいだと、誰もが思うにちがいない。だが、よくよく考えてみると、もっと奥ふかい理由があると気づく。確かに、プッチーニは子どもを装置として使い、観客のこころを掴むのを常套手段としている。蝶々夫人でもいきなりマダムの赤ちゃんが登場するし、あとのアンジェリカでも、姿さえ見せない息子のことが問題になる。こうした表現は文学的にみると、決して褒められたものではないし、ミケーレの切り出しもいささか唐突だ。しかし、次のように考えれば、そのことは必要不可欠ではなかったとしても、物語のなかに置かれるべき理由があった、と説明できるのではないか。すなわち、ここでミケーレが死んだ子どもについて歌うのは、彼がもはや、過去から脱け出られなくなっていることの証拠である・・・と。観る者がここで涙するとすれば、それは、ミケーレがかの凶事をわざわざ切り出すことで、かえって、夫婦の仲がもう完全に修復できないところまで行き着いていることを、曝け出してしまうせいなのだ。

それゆえ・・・というべきか、ここからはミケーレへの同情が強くなっていくはずである。これは、レオンカヴァッロ「道化師」のカーニオが、アリア〈衣裳をつけろ〉をきっかけに、圧倒的に観客の同情を集めるのと同じ構造であろう。だから、ミケーレは愛人を刺し殺したうえで、自らの外套に入り込んで機嫌をとろうとする細君に見せつけるという、とんでもない行動をとるのに、不思議と悪魔のように罵られることはないのだ。

こうした解釈に、しっかりと導いていく音楽の緻密な構造があることは、ここでは詳述するに及ばない。だが、市井に溢れていそうなカンツォーネの節をふんだんに織り込んだ、ヴェリズモらしい音楽的特徴を逆手にとって、当時のイタリー下層市民のうら寂しさを上手に表現していることは見逃せない。そうした要素を丹念に煮詰めていくことで、最終的に、それまで聴いたことがないような密度の濃い音楽劇が生み出されていることは、注目に値する。

さて、歌い演じた役者たちに関しては、主要三役(ミケーレ/ルイージ/ジョルジェッタ)に対して、脇役の健闘が光っている。ティンカ(松浦健)と流しの歌うたい(曽我雄一)の藤原勢の、巧みな声のコントロールが目立った。一方、タルバ(黒木純)やフルゴーラ(清水華澄)は、自分の役にぐっと想いをのせて歌う、二期会的な特徴が染み出している。清水は新国研修所の公演で聴いたことがあるが、そのときよりも声の伸びが格段によくなっており、成長が著しい。主要三役のうちの男役は既に経験が豊富な歌役者でもあり、すこし苦しい場面があっても、まとめ方がうまい。ミケーレの佐野正一は、荒々しい船乗りの迫力こそないが、じっくり内面を歌い上げる方法で成功していた。ルイージの井ノ上了吏は、以前に聴いた印象どおり、基本に忠実な歌いまわしで堅実。大山亜紀子の演じる、ジョルジェッタもまずまず。

結局のところ、誰がどうこうというよりも、パッケージとしての役割分担がしっかりしていた点が特筆される。それぞれに適切な場所を得て、気の利いたキャスティングがものを言った公演である。
0

2008/8/11

プッチーニ 三部作 @東京文化会館 8/10 @  演奏会

プッチーニ生誕150年フェスティバルと銘打たれた特別公演については、プレビュー記事を出しておいた。一挙上演されるように組まれて作曲された「三部作」だが、実際には、なかなかトリプル・ビルで組まれるのは難しいものを、今回、常設カンパニーではないグループが、演出・オケ伴付きで上演した。予想以上に・・・予想をはるかに上回る質のいい公演で、びっくりした。

さて、「三部作」が「三部作」であるゆえんについて、ご覧のみなさんはお考えになっただろうか。もしも「三部作」でやる必要がないのなら、こういう取り組みは確かに面白いとしても、今後、繰り返してやる意味はない。だが、やはり、「三部作」は3つで1つだったのだ。もともと、三位一体というのは、キリスト教徒にとって当たり前すぎるぐらいの発想であるが、3つで1つとする根拠については、あとで書いていく。

・・・それにしても、3つの劇は、まったくちがう素材の組み合わせだ。「外套」は伝馬船の親方が、細君と人足の不義に嫉妬して起こる殺人事件。「修道女アンジェリカ」は、私生児を生んで修道院に入れられた貴族の娘が、それでも可愛い我が子の死を知って自殺する悲劇。「ジャンニ・スキッキ」は、資産家の町人の死をめぐって繰り広げられる、財産争いのドタバタ劇。1つ1つをみると、コテコテのヴェリズモ劇、ちょっと風変わりな女だらけのヴェリズモ、そして、気の利いたブッファ劇という形で、これがヴェルディ以後、もっとも輝くイタオペの巨匠=プッチーニの作品、しかも、遺作=トゥーランドットの1つ前の作品としては、いかにも手ごたえがない。

しかし、こうして観てみると、この3つの作品を通したとき、1本ずつではほんの1時間弱の作品ばかりであるというのに、驚くほど多様な人間のエレメントが、しっかりと描きこまれていることに気づくだろう。しかも、それらは長い時間を描くことで、人間の奥深くへコツコツと潜りゆくものではない。これらの作品はどれも、ほんの何時間かの風景しか描いていない。「外套」では黄昏時から宵のくち。「アンジェリカ」では晩祷から食事、それにつづくほんの数時間程度。「ジャンニ・スキッキ」も、せいぜい数時間程度であろう。そんな僅かな時間のなかで起こる、人間のこころの動きのなかに、プッチーニは人間として必要なありとあらゆる要素を詰め込んでしまった。ここが凄いのである。

例えば、「外套」では、情欲、嫉妬、怒り、諦め、親子の情、夫婦愛とその冷却、老いなどが交錯する。「アンジェリカ」では親子の情と、それが断ち切られることの苦しみ、名誉や身分への欲とプライド、姉妹愛、信仰、呪い、食欲などが。「スキッキ」では、金銭欲、恋愛、親子の情、裏切り、嫉妬、詐欺(嘘)、喜怒哀楽などが、注意ぶかく選ばれて、描き込まれていることに気づくべきだろう。

しかも、これらの作品は、ヴェリズモとしての約束ごとを十分に守りながら、それがどこかずれていたり、深度がふかく掘り下げられているために、もはや、それを突き破るものとしてメタモルフォーズしてしまっている。そして多分、それは計算されている。どこでそれがわかるかというと、最後のスキッキの口上だ。この登場人物がおもむろに作品を飛び出し、観衆に対して口上を述べるというのも、ヴェリズモの約束ごとのひとつである。だが、スキッキの口上は、それだけに止まらない。彼が遺産相続について、こうするより他に良い方法があったかと問いかけるとき、実はプッチーニは、こう言いたかったのである。ヴェリズモ・オペラを料理するのに、これ以上のやり方があるというのか。スキッキはそうして1つのオペラを閉じるとともに、「三部作」全体を閉じている。

結局のところ、プッチーニはヴェリズモという形態を借りてはいるが、それをまったく意外な方法で異化し、変形させて、従来のヴェリズモ劇ではとても描ききれなかった人間の真実を、3つの作品を組み合わせることで、見事に表現してみせたのだ。しかも、ヴェリズモ的なドラマのアピール性の強さをそのままにして!

演出は、粟国淳である。ドイツ的にいうと、彼の演出は「何もない」。例えば、二期会は近年、ツェムリンスキーの「フィレンツェの悲劇」と、「ジャンニ・スキッキ」をダブル・ビルにしたことがあった。演出のグルーバー女史は、SMの乱痴気騒ぎのなかで死んだ愛人を、哀れな「スキッキ」の死人にしてしまい、結局、最後の親族たちが金めのものを持ち去る場面(もちろん音楽も!)を焦点化して、戦争が町人一家の暮らしを踏みにじるときのナンセンスさを、皮肉たっぷりに表現したものだ。それと比べると、粟国はほとんど独自の意味づけを行わず、「三部作」が訴える主張だけを丁寧に拾い上げたといえる。

どちらかといえば、私は、粟国のほうに軍配を上げたい。無論、ツェムリンスキーとのダブル・ビルと「三部作」一挙上演という条件のちがいがあるし、単純な比較は避けるべきだ。しかし、「スキッキ」単体をみるだけでも、グルーバー女史の表現は、本来、「スキッキ」が三部作の最後で述べたかったことに対して、社会的な問題のいちばん大きなものだけに、逃げてしまっていることに気づく。それは大事な要素で、「三部作」の初演も戦争のために大きく遅れていることを思い出そう。だが、プッチーニの風刺性の凄いところは、そうした一面記事に出てくる問題に鋭く切り込んでいく一方で、三面記事にしか出て来ないような、しかし、人間にとっては、まったくもって重要ななにがしかを、しっかり描きこんでいることにあるのである。

現在のドイツ表現派(とでも呼んでみようか)は逆に、そうしたものを捨象することによって、独自の解釈、読み替え、現代へ開かれた作品の意義を偽造しようとしている。これはこれで意味のある取り組みではあるとしても、粟国はそのやり方に深いリスクを見出しており、それに対する強烈な風刺が、今回のコンサヴァティヴな舞台づくりに表れていると言っては、さすがに言いすぎなのであろうか。それにしても、粟国の今回の演出は印象的であり、音楽に寄り添う繊細な配慮があるのは前提条件としても、そこにじんわりと染み込ませられた、プッチーニという作曲家への解釈の鋭さというのは、ドイツ表現派の忘れかけているものを、しっかりと拾い集めたもののように思える。作品をどのように、「独自に」解釈すべきかではなく、作曲家がその作品でなにを述べようとしていたのか、そのとき作曲者がどのような精神状態にあったかを、粟国は素直に見つめており、それが我々に多くのことを考えさせる。

そういえば、新国研修所の「プッチーニのパリ」という公演(つばめとボエームの抜粋を組み合わせた公演)が思い出される。あのとき、演出のロベール・フォルチューヌは、いわゆる「ドーリア事件」以後、夫人との関係も冷え込み、孤独に沈むプッチーニ晩年のイメージを、過去の作品で埋め合わせるという機知を見せている。私は今回、そうした孤独なプッチーニのイメージを、再び確認した想いがする。社交的で、人懐こいイメージもあるが、「外套」や「アンジェリカ」で強調されるように、人間最後は一人だというプッチーニの悲しい洞察が、あらゆる作品にへばりついているのを私は知っている。例えば、「トゥーランドット」のリューは、あんなに美しい歌をうたってカラフのために死ぬが、その報いは何もない。カラフは、姫に奔る。そんな裏切りがあるだろうか。

さて、3つの作品で、ひとつだけ共通するテーマがある。それは、子どもへの想いだ。最初の「外套」では、多分、幼くして亡くなって、ミケーレとジョルジェッタの仲にも影を落としたであろう、愛児への思い出が歌われている。「アンジェリカ」では、正しく題名役の産んだ私生児の消息が、ドラマの鍵を握っている。「スキッキ」では娘・ラウレッタのアリアで、スキッキは動き出す。どんなに過酷な運命のなかでも、ここだけは揺るぎようのないものだと、プッチーニは考えたのであろうか。彼にとって、最後の拠り所がそこだとすれば、これらの作品はいよいよもって、哀しさを増す。また、我々の生きる社会に接続するための、ドイツ表現派的ないじりどころもありそうだが、そこには粟国は切り込まない。ただ、そうしたプッチーニの想いを、舞台の上にしっかと印象づけるだけだ。

そして、ジャンニ・スキッキ! 彼はうまくやって、故人・ブォーゾの遺産のもっとも大事な部分を掠め取った。だが、その成功にもかかわらず、スキッキに漂うあの孤独の影は、何なのであろうか。彼はもはや、自分自身の人生には何の希望も持っていないように見える。彼の関心は、もはやこの世にはない。プッチーニもまた・・・。ブォーゾが親族たちを脅しつけるために、「さらば、フィレンツェ」云々と歌い、それに親族たちがつづくとき、このコミカルな場面で、私は涙を禁じ得なかった。それは多分、親族たちのアンサンブルが奇跡的に美しく、歌手たちの情熱的な舞台づくりに触れたためと思っていた。それもあるのだが、かく感じていた私は、プッチーニの用意した罠に、見事にはまっていたのだ、と今なら気づくことができる。そうだ。この「さらば、フィレンツェ・・・」という歌は、スキッキの孤独を明らかに象徴しているのである。だが、よく考えないと、それには気づかないだろう。それでもいいのだ。プッチーニは誰かが気づいてくれるとは、あたまから期待していないのだから。

さて、歌手の出来などについて、細々としたことは、次のエントリーを待ってもらうことにしよう。
0



teacup.ブログ “AutoPage”
AutoPage最新お知らせ