2008/5/28

青いサカナ団 マーマレイド・タウンとパールの森 5/25 A  演奏会

青いサカナ団の標記の公演について、前回のレビューの続きを書く。

【下地は魔笛とトリスタン】

まず、誰でも気づくように、この作品の下地には「魔笛」と「トリスタンとイゾルデ」の要素がある。まず、「トリスタン」については、主役2人が、第2幕で月の光を浴びてしまう場面が、そのままだろう。「月」が「媚薬」の相当するわけだが、効果がまったく同じ。2人の間に関係が出来上がらないうちに、ドンと背中を押すような働きをするのも一緒。結局、それがために2人の愛が結びついたのか、もともと、そんなものは必要なかったのか、なんとなく、はっきりとはわからないのも同じ。そして、愛情と音楽の昂揚が、同じように描かれていること。そして、2つの極が「と」で結ばれるというのも、ズバリである。

しかし、より色濃いのは「魔笛」の影響であろう。まず、子どもがみればそれなりに、大人がみれば、それはそれで味わいがあるという、性格的な特徴がある。「マーマレイド・タウン」と「パールの森」は、夜の女王とザラストロの対立に通じる関係とみられる。ザラストロが夜の女王を打ったような魔法を、アポロも用いる。アポロの術が炸裂するとき、フルートの激しいパッセージ(+打楽器)が吹かれるが、魔笛や鳥刺しの笛は、フルートである。・・・と数え上げていけば、キリがないほどだ。

まとめるとすれば、この作品は、「魔笛」のような親しみやすい素材を使いながらも、その内側に無数のメッセージを詰め込み、「トリスタン」のような愛情のほろ苦さ、そして、哲学的な世界観まで、キッチリと描きこんだオペラだということができる。

【どうみてもいい】

神田のオペラというのは、結局のところ、どうみてもいいのだ。

子どもたちが、一編のメルヒェンとして、この作品を味わうことは、素晴らしい。だが、もうすこしロマンティックな大人たちは、この作品の中心を月子の恋の遍歴に置き、捨てられた女の哀しい「最期」から、王子さまとの出会い、そして、空恐ろしいブラック・ジョークまで、ゆったりと楽しめばいい。アングラの演劇に慣れている人は、神田のひねくれた、鋭いイロニーを嗅ぎとってもいいし、もっと高尚な見方だって可能だ。そのどれもが正解ではあるが、また一方、どれをとっても、ぴったりあってはいない。

どうみるべきだ、どうみなければ私の作品は理解できない・・・という押しつけがましさは、神田の作品には、一切ないように思える。私みたいに、馬鹿みたいに奥の奥まで突きすすんでいく者と、「楽しかった!」とニッコリ笑う小学生の間には、少なくとも、この作者にとっては、何の差もないのだ。

【森美代子の慣れてないところがミソになる】

さて、「アゲハの恋」から横滑りしたり、既に神田自身の作品か、神田の指揮する公演に出演したキャストが多いなかで、主役には、神田との共演がはじめての森美代子が、ドンと据えられているのは、意味があるのだろうか。姉妹作ならば、ヒロインぐらいは横滑りさせるのが、むしろ普通のことだろう。アゲハの角野は、満足のいく歌手ではなかったのだろうか。そうではあるまい。たとえ、そうだとしても、ここは、はじめての人がよかったのだ。

今回のプロダクションで非常に面白かったのは、森美代子が浮いていることだ。ひとりだけ、とても硬い。歌い方も演技も! キャリアのない歌手だし、それは止むを得ない。だが、そういうことではなく、彼女以外のほとんどのキャスト、もちろん、コーラスやオーケストラも、神田という「作家」「脚本家」「作曲家」「指揮者」「演出家」を、裏も表も、よく知っているのだが、森だけは知らない。そのことが、ワサビのように、この上演を引き締めていることは言うまでもないであろう。そして、そのことは、訳もわからず「プログラム」に放り込まれて、空想の世界を活きることになる月子=ディアナの境遇を、象徴的に体現することとなる。森の基本に精確な、ストレートな歌いくち。ぴっちりとからだのラインを引き立てる、桜井麗の青いワンピースが、これをさらに強調するようだ。

【神田は素材をうまく使う】

この森のことに象徴されるごとく、神田は、素材の使い方が実にうまい。池田卓夫が関わるキャスティングの助けもあるが、まずは神田自身が、なにをどう使えば、どんな効果が出るかということに敏感だ。例えば、既に書いたように、神田は、森と秋谷のパートに、絶対に当たらないような高音を書いて、そこへ必死に到達しようとする歌手の心理をついて、これをゲートとして使うことによって、歌手たちを自分たちの知らない世界へと導いていく。これは、アポロの術を表現するフルートについてもいえる。ただ、これはゲートというよりは、ほとんど吹ききるのは無理な音符を刻むことで、楽器奏者のプライドを越えた、突き抜けた響きを得るための工夫だ。こうでもしなければ、吹く人が必死になってくれなければ、現実には、まったくリアリティのないアポロの術を、すこしでも本当らしいものとして印象づけられるだろうか。

素材といえば、子どもがある。神田のオペラにとって、子ども出るのは難しくない。前作のアゲハでも、子どもたちが、主人公の片割れであるケンジを取り巻いていたものだ。だが、子どもを出すというのは、文学、演劇、オペラ、映画、どの分野にとっても、邪道としか言われないようなことなのだ。ズルイとも言われるだろう。どんな名優も、子どもの愛らしさ、無邪気さ、純粋さには太刀打ちできない。いつまでも、お涙頂戴の、古くさいミュージカル「アニー」が廃れないゆえんである。そんなことは百も承知で、神田はなぜ、子ども使うのであろう・・・と問うのは間違いである。なぜならば、神田にとって、子どもを出すということは、当たり前すぎるほど当たり前だからだ。そもそも、なにゆえ子どもたちを、大人から分断せねばならないのか。そこが、問われねばならない。

神田は子どもたちのことを、誰よりも信頼している。だから、あんな扱い方ができるのだ。そして、信じれば信じるほど、子どもたちは、それに応える。そこから、また、神田は新しい発想を得ている。神田の感性の瑞々しさは、こうした子どもたちのエネルギーから得られたものであり、なればこそ、神田は子どもを舞台の上に歩かせてみることに、まったく抵抗がないのだ。子どもたちの盗賊団を指揮するアテナ役(そのように一回でも呼ばれただろうか?)の丹藤麻砂美、同じくカリオペ役の岡林景子が、あれほど成功した役として印象に残ったのは、一にも二にも、こうした子どもたちの、ほとんど一人前の歌役者といって差し支えない、見事な活躍あったればこそだ。

アゲハと比べて、こうしたリソースを完全に使いきったという点で、今回の「マーマレイド・タウン」のプロダクションは特筆に価する。マルスとヘルメスがすこしダブる印象なのを除けば、ほとんど無駄のない役の構成と、歌手の配置である。とりわけ、白痴役のバッカス大統領を演じた岡戸淳は、通常は真面目な役柄、もしくはワルの役柄が多いバリトンながら、思いきって崩した演技で、好評を博した。麻雀牌をジャラジャラやりながら、不思議な重みを感じさせる中村靖(アポロの父=ゼウス役)のずっしりした演唱の巧さ、そして、声質こそ気に入らないが、森永朝子(アポロの母親=ヘラ役)の堂々たる立ち居振る舞いはさすが。この2人が、「プログラム」の種明かしで活躍するのも優れた仕掛けだ。

【重ねあわせと裏切り】

第1幕のいちばん最後で、バッカスは大きな受話器を抱えて、「ゾウさんはいますか」と話しかける。これは確か、どこか引越会社のテレビCMで、かわいい女の子がいう台詞だ。ひとわたりの展開がおわったあと、バッカスひとりが取り残され、この台詞のあと、ゆったりと暗転して、1つの幕が終わるのだから失笑を禁じ得ない。だが、次の幕で、しっかりゾウさんが出てくる。第1幕を反転した、バックステージを見せる第3幕でも、ゾウさんは意外と印象的な役割を果たしてくれる。このゾウさんは、あくまでサイド・メニューだが、一見、くだらないと思えたものが、あとでちゃんと意味をもつ・・・というのは、この作品にとって、重要な意味をもつようだ。

このことについて書いていきたいのだが、いったん日にちを改めさせてほしい。

(Bにつづく)
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